le peintre de la tour

Georges de La Tour

French Artist

Summary of Georges de La Tour

One of the greatest exponents of 17 th century Baroque painting, La Tour's mastery of chiaroscuro was such that he is often named as Caravaggio's natural successor. But La Tour's paintings, although relatively small in number, stand on their own terms for an economy of styling that charge his brooding candlelit scenes with a sense of enigmatic tranquility. La Tour's oeuvre shows a steady progression towards a uniquely minimalist style that would touch upon elements of symmetrical abstraction. Indeed, several historians have championed la Tour as the true progenitor of the Cubist movement. Although he was much admired in his own day, La Tour joins the exalted company of Piero della Francesca and Vermeer as canonical artists whose names and works had fallen into obscurity (and in La Tour's case, misattributed) before being rediscovered (and re-championed) by historians in the 20 th century.

Accomplishments

• La Tour's distinguished himself from others working in the Baroque style through a series of works that feature figures lit dramatically by the soft glow of a single light source. La Tour became increasingly drawn to candlelight scenes - often featuring a young boy or girl absorbed in an everyday task, whereby the flame spreads an atmosphere of otherworldly calm across the whole canvas. As his style evolved, La Tour's works would become increasingly sparse, with his masses reduced to simple, almost geometrical, dimensions. This technique imbues his works with a somewhat modern appearance that has provided a significant addition to the catalogue of 17th century French art.
• La Tour is sometimes referred to as a realist on the grounds that his works addressed the lives and experiences of the "common folk" of his hometown of Lorraine. But La Tour was not a naturalist. For his "real-life" works he achieved a sober, but meditative, quality. Indeed, rather than fixate the picturesque style that was prevalent in Northern Europe at the time, La Tour turned to the Caravaggesque realist approach since it provided the best means of representing "the soul of man".
• La Tour's sparsely populated pictures are rendered in "anonymous" locations with the absence of setting or scenery. His subjects never pose in front of architectural backgrounds or landscapes, with borders and boundaries delineated typically through partitioning devices such as walls. He omitted subsidiary figures with incidental accessories kept to the bare minimum (even his saints and angels were without haloes and wings). This technique, which brought a sense of silent calm, contributed to the enigmatic quality that has come to distinguish his work.
• La Tour's paintings, almost exclusively genre and religious works, can be divided between daytime and night-time scenes. Whereas the latter are defined by artificial light and a near elimination of color, the former, such as The Cheat with the Ace of Diamonds (c. 1635) and The Fortune-Teller (undated, c.1630-34), are distinguished by for their sharp, clear lighting, and a precision of brushwork. La Tour's works from this phase already indicate something of his individuality in their exquisite ornamentations and rendering of textures.

The Life of Georges de La Tour

According to author Christopher Wright, La Tour, "was seen as the great master of candlelight paintings, set apart from his contemporaries, by a near magical approach, both in subject matter and technique".

Important Art by Georges de La Tour

The Payment of Taxes

An important early work by La Tour, it shows an elderly man paying a tax (or debt) to group of men. The scene carries an element of threat in that the taxpayer seems as if he is being intimidated by the group. Author Philip Conisbee says of the work, "It has been convincingly suggested that its source lies in the tradition of tax-paying scenes, a well-established theme in Netherlandish art since the sixteenth century". Yet the painting carries a certain ambiguity in that, what might be on surface level a generic peasant scene of the powerful subjugating the meek, could be a modern reinterpretation of the biblical story of the "Calling of Matthew" (the tax collector who became a disciple) if, as some historians believe, it was painted during the earliest period of his career when he was chiefly engaged in painting the saints. In either case, this work offers confirmation of La Tour's skill at creating complex group compositions. According to Conisbee, here "La Tour employs a crowded space, somewhat awkward, eccentric poses, and a self-conscious use of artificial light to create the atmosphere of a silent and unsettling drama. Every feature of the painting - gestures, expressions, enigmatic poses, the play of light and shade - works to produce a tense, concentrated mood. Even the elevated viewpoint adds to the tension we experience from this encounter. [Even though early in his career, it] is already characteristic of La Tour's approach to painting: he rarely chooses an innovative subject, but he meditates on it deeply and presents it in a highly focused or concentrated way. There is no visual distraction, no ornament for ornament's sake. Forms are reduced to essentials, as are the gestures and expressions of his actors, establishing in this case a threatening mood".

Oil on canvas - Museum of Fine Arts, Lviv, Ukraine

Old Peasant Couple Eating

This painting is one of La Tour's key early works. It amply demonstrates his flair for capturing the mood of his subjects. As author Vittorio Maria de Bonis notes, the couple "ignore each other and instead sink their melancholy gaze into the eyes of the viewer as they angrily and greedily eat spoonfuls of the bright peas inside chipped, rough terracotta bowls". The mature figures are desperately hungry and they might easily symbolize the population of Lorraine (in Northeastern France) who had grown exhausted through war and famine. The bleak mood is reinforced through the dramatic Baroque style that sets the figures, whose faces and figures are cast in shadows, against a dour, featureless, background. De Bonis calls the painting, "one of the most eloquently desolate images of hunger and poverty ever painted". This work is also interesting because, unlike the artist's later pieces, it is not obvious to the viewer what message La Tour was trying to communicate. According to author Philip Conisbee, the work, "presents something of a dilemma for the modern viewer, for there are no clues about how the artist and his public understood such a picture: should we pity their plight, look down on them, or just savor their picturesqueness?". Conisbee suggests that La Tour invests his subjects "with a certain dignity, which perhaps means we should admire them as 'salt of the earth'". It is this fascinating element of ambiguity that contributed to the painters soaring reputation amongst 20 th century historians.

Oil on canvas - Gemäldegalerie, Berlin, Germany

The Fortune-Teller

Art historian Deanna MacDonald writes, "This painting is full of enigmas relating to its painter, subject and provenance. Signed in Latin in its top right corner 'G. de La Tour Fecit Luneuilla Lothar' (made by G. de La Tour, Lunéville Lorraine), this is one of the few daylight paintings by an artist who specialised in nocturnal scenes". In this narrative work, a well-to-do young man looks questioningly at the toothless old woman on the far right of the canvas as she holds out a coin. While focused on whatever tale she is spinning, he fails to realize that the other women standing around him, in cahoots with the older woman who has distracted him, are in the act of picking his pockets. MacDonald observes, "There is no indication of setting, though all wear colourful costumes. Are they in a brothel? Are the robbers gypsies? As it has a theatrical air, could it be a scene from a play, such as the parable of the prodigal son? But la Tour does not play the scene for comedy or eroticism. Sideways glances, expressive hand gestures and a mix of shadow and crisp daylight create an atmosphere ripe with tension: what will happen next? Details are meticulously rendered; from the patterns on the colourful fabrics to the words AMOR (love) and FIDES (faith) written minutely on the young man's watch chain. Despite the moralising theme, the artist seems to imbue each character with humanity: the foppish youth seems more naïve than dissolute and there is a sense of sadness and peril about the thieves (punishments for stealing in the 17th century included cutting off an ear, branding or death). The picture seems to warn of the dangers for all in a world of deceit and greed". MacDonald also introduces an interesting historical caveat into readings of the painting. In 1984 the art historian Christopher Wright published a book in which he claimed that all of La Tour's daylight pictures were in fact forgeries. MacDonald observes, "Wright, who as a young scholar had been involved in La Tour authentications, said that he had been pressured to pronounce the work genuine by powerful figures such as Sir Anthony Blunt, the famed art expert/spy. Wright even suggested that a French restorer (who died in 1954) named Delobre who worked for Wildenstein in the USA had painted them. Many have dismissed Wright's claims, including the Met [Museum of Art] but an aura of mystery remains".

Oil on canvas - Metropolitan Museum of Art, New York, USA

The Penitent Magdalen

The Penitent Magdalen is rich in the type of religious symbolism that would have been easily understood by audiences of La Tour's day. As the Metropolitan Museum of Art explains, "the quiet atmosphere of this painting perfectly fits the subject, Mary Magdalen, who renounced the pleasures of the flesh for a life of penance and contemplation. She is shown with a mirror, symbol of vanity; a skull, emblem of mortality; and a candle that probably references her spiritual enlightenment". Here, as in his others works in this style, La Tour uses heightened chiaroscuro - or tenebrism - to underscore the mood and/or motivation of his subject. Conisbee writes, "At its most basic level the darkened interior enabled the artist to play on the theme of light and reflected light in contrast with the surrounding obscurity. It could set a mood conducive to contemplation and meditation, both for the actors in his pictures and for the participating spectator. Light and darkness had symbolic values on several levels: most obviously in the contrast between the spiritual darkness of our mortal world, illuminated by the light of the divine". Indeed, Mary Magdalene is a fitting subject for La Tour's Baroque treatment. The candle, which was widely interpreted as a symbol of Christ's presence, features here to connote an act of meditation and Magdalen's new faith (in Jesus) that will lead her away from a life of sin. But perhaps the most striking stylistic feature of this work is the reflection of the candle in the mirror. As Conisbee explains, "The two flames really dominate the picture, not only because they are the source of light, illuminating the figure of the Magdalene, but also because the repeated image of the flame and its reflection are so compelling; we can see both sides of the candle, and the far side best because it is illuminated by the reflected light. Only the skull on Magdalene's lap suggests that she may be pondering the earthly reality of our mortality and the eternal truth of the spiritual life, while deciding to abandon the blandishments of the material world".

Saint Joseph in the Carpenter's Shop

A rarely depicted subject, La Tour has shown Jesus as a young boy in the workshop of his carpenter father. Joseph dominates the scene and is bent down over a piece of wood, which he is working with a tool. Jesus holds a candle to help his father to see, effectively bathing his whole face in light. Joseph's eyes seem to be turned upward towards his son, suggesting they are in conversation. In fact this could be read as a humble familial scene were it not for the painting's title. La Tour's nocturne painting shows how he used lighting effects to elevate drama over naturalism. As authors Claudio Falcucci and Simona Rinaldi write, "one example of the extent to which what is portrayed in his paintings can be divorced from reality is visible in the Child's hand hiding the candle [...]. It is commonly known that light transmitted across a hand with its fingers closed produces a bright red colour, which is at its brightest where the fingers touch one another, and darker where the hand is thicker. In no case do we ever observe a white contour around the fingers, especially when they slightly overlap as they do in the representation. [...] Indeed, a constant element in La Tour's canvases seems to be his moving beyond the mere description of the physical phenomenon of the light released by the candle in the name of a more highly symbolic value".

Oil on canvas - Louvre Museum, Paris, France

The Choirboy

This work is characteristic of La Tour's penetrating application of the Baroque style. To enhance the drama of his scenes, and demonstrating his sophisticated handling of chiaroscuro that expresses itself in sharp tenebrism, he allowed his figures, in this case a solitary choirboy wearing a plumb colored alb with a delicately embroidered collar, to be illuminated by the light of a single candle. What is perhaps most interesting about this work from a compositional point of view is that the candle is not visible; rather it is hidden behind the hymn book that the boy holds. Only the tip of the flame and the base of the candle in the boy's hand is peeking out from behind the book. La Tour's clever composition reinforces the dedication of the boy to the task at hand while perhaps allowing the viewer to contemplate their own faith and devotion. Art critic Laura Cumming offers this reading of the painting: "La Tour must have seen a Caravaggio somewhere, if only as a print - but nobody has ever put such emphasis on the behaviour of candlelight. The way it strokes surfaces, sends out showers of highlights, gives warmth as well as light while casting everything beyond its ambit into blackness. His figures appear spellbound by the magical flame, seized with its mystery; only the candlelight shifts. He often achieves this by hiding the light source itself. [Here a] choirboy holds a candle up to his hymns but we only see the tip of the flame above a book that's as black as night. All that is visible, in fact, in this cave of seething darkness are the fingers, the face and this mesmerising flicker, giving the queer sense of a soul in trance. And what a serene mask the boy has, radically simplified and slightly oriental like many of de La Tour's characters. His candlelight seems to sheer away irregularities like a laser, polishing skin and making diamonds of eyes".

Oil on canvas - Leicester Museum and Art Gallery, Leicester, England

The Adoration of the Shepherds

In La Tour's nativity painting, the Christ child, swaddled in white cloth, is featured bathed in light in the center of the composition. Mary sits on the left, hands clasped in prayer while Joseph, sitting directly across from her, has his hands raised in praise. Two shepherds and a peasant girl occupy the background and look down on the baby adoringly. While the nativity has been a popular theme for artists throughout history, La Tour's approach distinguishes itself from other works in this theme. According to Conisbee, "the story lent itself to a nighttime scene, and there are countless prototypes in the sixteenth and early seventeenth centuries. La Tour has gathered a group of five sympathetically observed worshippers around the Christ Child, who seems to radiate more light than he can possibly simply reflect from the candle held by Joseph. This last detail is significant. [...] La Tour brings a sense of intimacy and tenderness to the scene, and we can admire his powers of observation in the swaddled child. [...] There is no sense of theatricality in La Tour's interpretation: no dramatic gestures or exaggerated expressions". In this example we can see a style of rendering figures that helped distinguish La Tour from the approach of Caravaggio (to whom he was/is routinely compared). As Falcucci and Rinaldi explain, "while Caravaggio tended to emphasize the sculptural qualities of his subjects by painting them before he painted the background, which he then darkened depending on what was needed, always being sure not to let the background and the subject come into pictorial contact with each other, La Tour made very distinct borders between the background colours, which he then painted independently so that the figures were transformed into shapes applied to the background, with no dialectical rapport between the two".

Biography of Georges de La Tour

Childhood and education.

There is little information about the early life of Georges de La Tour, and without a surviving self-portrait (assuming he had painted one), we do not even have an image of the artist. All that is known (rumors that he was arrogant and unpopular with his neighbors notwithstanding) is that he was the second of seven children, born in Vic-sur-Seille (Vic), a large market town in the independent duchy of Lorraine (now part of north-eastern France). His father, Jean de La Tour, was a baker, his mother, also from a family of bakers, was named Sybille de Crospaux. His baptismal certificate was registered in Vic on 14 March 1593.

Early Training

That La Tour must have had an early interest in art can be assumed given that in the seventeenth century one would not have been accepted into a workshop to study unless he or she had already demonstrated a nascent talent. Art historian Gail Feigenbaum suggests that "His apprenticeship likely began around 1605, perhaps in Vic with Alphonse de Rambervilliers, a writer and amateur engraver close to the bishop of Metz, and he very likely worked in Nancy with the painter, etcher, and draftsman Jacques Bellange". Authors Claudio Falcucci and Simona Rinaldi have also conjectured that La Tour "received his artistic education in the workshop of the Swiss painter Claude Dogoz, who was working in the lively Lorraine area at the time". And while little is known about his religious upbringing, Feigenbaum observes that his devotional paintings, such as The Repentant Magdalen (c. 1640), "demonstrate powerful introspection and intense spirituality [that] may reflect the strong Catholic sentiments of Lorraine, which bordered northern Protestant states".

The influence of the Italian Baroque style , especially in the dark and dramatic backgrounds of Caravaggio (La Tour was still a teenager when the archetypal artistic rebel died, or was killed), begs the question: where would the artist have seen and studied such paintings? As Feigenbaum writes, "there has been much unresolved discussion about a possible trip to Rome". La Tour had begun painting with Dogoz and it is thought that he could have travelled to Italy with Dogoz between 1614-16, where he discovered the paintings of Caravaggio. Feigenbaum acknowledges that "La Tour's low-life subjects and his bold tenebrist manner of painting seem to be heavily indebted to the work of Caravaggio [...] and his followers in Rome [such as Bartolomeo Manfredi]. But Caravaggio's influence was spreading throughout Europe in the second decade of the century so it was by no means necessary for La Tour to have made an Italian trip". Indeed, Gerrit van Honthorst and Dirck van Baburen were working in the Baroque style in Utrecht, while in Lorraine, Jacques Bellange and Jean Leclerc were both exploring the dramatic potential for tenebrist lighting effects.

Mature Period

La Tour was married to Diane Le Nerf, a woman of status and wealth, in 1617 (La Tour gave his profession as painter on the marriage certificate). Her family were silversmiths and her father served as the minister of finance to the Duke of Lorraine. Having lived at the Le Nerf's family residence in Vic, they settled in the city of Lunéville (15 miles south of Vic) following the birth of their first child (Philipp) in 1620. (The couple were parents to a total of nine or ten children, although only three would reach adulthood, including their son, Etienne, who was officially ennobled as a painter in 1670.) In Lunéville, La Tour joined the studio of Claude Baccarat and between 1621-24 the Duke bought two of La Tour's paintings. With his reputation secured, La Tour established his own workshop in Lunéville where he employed apprentices.

The La Tours lived through a time of great uncertainty. It was the period of the Thirty Year War (1618-48) and by the 1630s Lunéville was becoming increasingly unsafe. As historian Gabriel Diss states, "La Tour needed great determination and unflinching energy not to be crushed by the incursions of armed rabble, the hordes of poverty-stricken refugees, the state of famine and the plague that struck Lorraine three times, in 1631, 1633, and 1636. He shouldered the great responsibility of supplying the needs of a workshop and a family of nine children, a burden made still greater in 1631 when he was appointed guardian of his nephews Antoine and François Nardoyen. The records show that he performed his duties with fairness and clear-sightedness".

The independent duchy of Lorraine (now northeastern France) sat between France and the Germany of the Holy Roman Empire. The citizens of Lunéville (located within the duchy of Lorraine) were trapped in the war between these two mighty colonial powers and La Tour and his family lived with a constant fear for their safety. After his home was ransacked, and his workshop razed, during a sack of Lunéville by the French in 1638, La Tour moved his family 30km to Nancy. Despite his close friendship with the Duke of Lorraine, La Tour now pledged his loyalty to the French. With his family safely settled in Nancy, La Tour left for Paris in 1639 where he took up his most prestigious position as peintre du roi ("Painter in Ordinary to King Louis XIII of France"). He made such an impression in this role that he was granted permission to set up a living space in the Louvre a year later.

Later Period

Once Lorraine became secure again (now under control of the French) La Tour was able to return home with his family. According to records dated 1643 he established a successful new studio in Lunéville. He produced religious and domestic scenes, both genres of which were popular throughout Europe. According to author Philip Conisbee, "La Tour conducted his artistic affairs in a solidly professional way: there were contracts, agreements, and schedules of payment. We know that he ran a small studio [and engaged apprentices] who helped out in the day-to-day running of his business and learned at least the rudiments of art from him. He [also] presumably trained his son Etienne".

Feigenbaum writes that, "between 1644 and 1651, the marquis de La Ferté-Sénecterre [...] the French governor of Lorraine, received six of La Tour's paintings as tribute from the cities of the region". It was also during this period that his nocturne paintings became popular. Anchored in the Baroque style, it was through his nocturnes that La Tour distinguished himself among his peers in the subtle way he used light to dramatize the actions of his subjects. Historian Pat Bauer writes, "The paintings of La Tour's maturity [...] are marked by a startling geometric simplification of the human form and by the depiction of interior scenes lit only by the glare of candles or torches. His religious paintings done in this manner have a monumental simplicity and a stillness that expresses both contemplative quiet and wonder".

Tragically, the plague that swept through Europe in the 1650s ravaged Lorraine and it is believed to have been the cause of La Tour's wife's death in 1652. What wider success La Tour might have achieved will remain unknown as this epidemic, a possibly a deep sense of grief, most likely claimed the artist's life only two weeks after his wife's passing. La Tour was fifty-eight years old.

The Legacy of Georges de La Tour

According to the author Dimitri Salmon, "La Tour's works were seldom copied in engravings and hence little known, nor did he have a biographer to record his life for posterity. Finally, Lorraine was constantly devasted by war for three centuries, and with it not only the painter's workshop but also the churches, monasteries, castles and mansions where his paintings hung". It wasn't until the early twentieth century that art historians began to examine La Tour's work through a contemporary lens, beginning in 1915 through the writings of art historian Hermann Voss. Calling his art "one of the great rediscoveries of the 20 th century", the historian Susan Moore states, "Today it seems inconceivable that this most compelling and singular of artists, highly successful in his day, should have been almost entirely forgotten for three centuries. [...] The reconstruction and rehabilitation of his artistic career have been described as 'the triumph of art history, and its justification'".

La Tour's work has had a profound influence on subsequent generations of artists. As Salmon states, "it is the fame of these works which is taken to task by the artists of the end of the twentieth and beginning of the twenty-first century as much as their beauty and the interest they arouse. Whatever their age, their career path or their nationality, whatever their aim or their technique, in their own way, today's artists - from the Chinese artist Yin Xin to the Mexican Alejandra Figueroa, the French artists Jérome Mesnager, Gérard Collin-Thiébaut and Frédéric Coché and the Italian Gerardo Dicrola - amply illustrate the tremendous infatuation with Georges de La Tour and the fascination that his Christ with Saint Joseph in the Carpenter's Shop and Adoration of the Shepherds exert more powerfully than ever before".

Influences and Connections

Useful Resources on Georges de La Tour

• Georges de La Tour and his World Our Pick By Philip Conisbee
• Georges de La Tour By Jacques Thuillier
• Georges de La Tour and the Enigma of the Visible By Dalia Judovitz
• Georges de La Tour: The Adoration of the Shepherds Christ with Saint Joseph in the Carpenter's Shop Our Pick Edited by Valeria Merlini, Dimitri Salmon, and Daniela Storti
• Flickers of genius By Laura Cumming / The Observer / July 15, 2007
• Georges de la Tour: The Fortune Teller - c1630s By Deanna MacDonald / Great Works of Western Art
• The Fortune-Teller Metropolitan Museum of Art, New York
• A sale in Cologne turns the spotlight on Georges de La Tour By Susan Moore / Apollo Magazine / November 25, 2020
• French Paintings of the Fifteenth through the Eighteenth Century By Gail Feigenbaum / The Collections of the National Gallery of Art Systematic Catalogue, Washington, D.C. / 2009
• Georges de La Tour By Pat Bauer / Britannica.com
• Georges de La Tour's paintings in the UK: French Caravaggism in Leicester, Wiltshire and Teesside Our Pick By Christopher Wright / Art UK / January 19, 2012
• A Sale in Cologne Turns the Spotlight on Georges de La Tour By Susan Moore / Apollo Magazine / November 25, 2020
• Georges de La Tour's Penitent Magdalen | Painting of the Week Podcast | S3 EP17 This podcast provides an indepth look at Georges de La Tour's painting the Penitent Magdalen
• Lecture: Dr. Lynn Orr, Ph. D - September 28, 2019 This lecture presented at the Portland Museum of Art features Dr. Lynn Orr discussing Georges de La Tour's nocturne painting The Magdalen with the Smoking Flame
• George de La Tour National Gallery of Art

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Content compiled and written by Jessica DiPalma

Edited and revised, with Summary and Accomplishments added by Antony Todd

Georges de La Tour

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Georges de La Tour

Peintre français (Vic-sur-Seille, 1593-Lunéville 1652).

Illustre en son temps, puis complètement oublié, Georges de La Tour a retrouvé au xx e  s. la place éminente qui lui revient dans l'histoire de la peinture française. Son œuvre, telle qu'elle a été reconstituée, est surtout faite de tableaux religieux et de scènes de genre.

1. Le « peintre ordinaire » de Louis XIII

Né dans une famille de boulangers, Georges de La Tour semble recevoir une bonne éducation et trouver en Lorraine un milieu propice à l'apprentissage de son art. Fixé en 1620 à Lunéville, la ville natale de son épouse, il obtient du duc de Lorraine d'importants privilèges qui vont lui permettre de mener la vie d'un noble fortuné.

Il conserve sa position après l'occupation du duché de Lorraine par les troupes françaises et, en 1639, il obtient même le titre de peintre ordinaire du roi. On ne connaît de lui qu'environ soixante-quinze œuvres – dont une quarantaine sont authentifiées. Les multiples répliques, telles que celles de son Saint Sébastien soigné par sainte Irène , sont la preuve de sa notoriété.

2. Évolution d'un style

On distingue les scènes diurnes et les scènes nocturnes. Les premières sont traitées dans une lumière froide et claire, avec une précision sans concession ( Saint Jérôme pénitent , 2 versions ; le Joueur de vielle ). Les secondes sont baignées dans une lumière artificielle, afin d'exclure la couleur – une tache de rouge vif venant seule, d'ordinaire, animer la gamme des bruns – et de ramener les volumes à quelques plans simples ( la Femme à la puce  ; le Nouveau-né ).

.Le petit nombre de toiles clairement datées ( Saint Pierre repentant 1645 ; le Reniement de saint Pierre 1650) ne permet guère de s'entendre sur une chronologie.

Il semble pourtant possible de distinguer une première période (1620-1630), nettement marquée par le réalisme d'inspiration caravagesque, peut-être découvert lors d'un séjour du peintre en Italie (1610-1616) : en témoignent notamment la série du Christ et les douze apôtres (cinq originaux conservés) ou le Saint Thomas du Louvre.

Au cours d'une seconde période, commençant au début des années 1630, Georges de La Tour semble évoluer vers un réalisme plus personnel, tel qu'il s'exprime dans le Joueur de vielle , déjà cité, ou dans le Tricheur à l'as de carreau . C'est en pleine gloire qu'il succombe, sans doute victime de la peste. Son fils Étienne, probablement son collaborateur depuis 1646, obtient à son tour le titre de peintre ordinaire du roi dès 1654.

3. L'héritier spirituel du Caravage

Georges de La Tour fascine par sa rigueur géométrique et par son luminisme voué à l'essentiel. Il emprunte ses thèmes, volontiers répétés, au répertoire caravagesque des années 1610-1620 ( la Diseuse de bonne aventure  ; la Madeleine à la veilleuse ).

Mais, au lieu de pousser ce répertoire vers le pittoresque comme la plupart de ses contemporains du Nord, il renoue avec l'esprit des premiers caravagistes et ramène la peinture à l'étude exclusive de l'âme humaine. Pour autant qu'on puisse en juger, il exclut anecdotes, figurants, décors et même paysages, quitte à rendre parfois ses sujets énigmatiques ( Saint Joseph éveillé par l'ange ). Son univers est sans doute le plus dépouillé qu'on puisse voir chez un grand peintre.

4. Force et simplicité

Georges de La Tour transcende le quotidien, fige jusqu'aux gestes les plus violents (Rixe de musiciens) et préfère d'ordinaire l'immobilité, le silence, la méditation. Il installe dans chacune de ses œuvres, qu'on devine lentement mûries, une nécessité plus rigoureuse encore que celle de son contemporain – et sur tant de points son contraire – Nicolas Poussin .

De là viennent la force que prend le moindre détail et l'audace exceptionnelle de compositions faites avec des moyens en apparence très simples (Job raillé par sa femme) . De là aussi vient l'assimilation de nombre de tableaux (Saint Joseph charpentier  ; Saint Jean-Baptiste au désert) au grand courant stoïcien qui traverse l'époque et à la mystique lorraine (saint Pierre Fourier ).

5. Georges de La Tour et la Lorraine

Demeurée à l'écart des conflits pendant tout le xvi e  s., la Lorraine était un duché prospère dont le peintre Jacques de Bellange avait fait un foyer artistique renommé. Tout change à partir de 1633, lorsqu'elle est entraînée dans les horreurs de la guerre de Trente Ans . C'est l'incendie de Lunéville, en 1638, qui fait disparaître la plupart des œuvres de Georges de La Tour, poussant ce dernier à tenter de se trouver des mécènes à Paris. Le cardinal de Richelieu lui-même lui achète un Saint Jérôme.

Attaché au rang qu'il occupait à Lunéville, Georges de La Tour s'y réinstale en 1643. Il y est en grâce auprès du duc de La Ferté-Sénectère, qui gouverne alors la Lorraine au nom du roi de France. C'est de cette époque que date sa plus grande série de nocturnes.

6. Citations

« Héraclite, Georges de La Tour, je vous sais gré d'avoir de longs moments poussé dehors de chaque pli de mon corps singulier ce leurre : la condition humaine incohérente. »

René Char (« Partage formel », dans Fureur et mystère ) : le poète associe dans sa réflexion Héraclite et Georges de La Tour après avoir découvert la peinture de ce dernier lors de l'exposition « Les peintres de la réalité en France au xvii e  siècle », organisée au musée de l'Orangerie en 1934-1935.

« La Tour raconte grâce aux regards. »

Pierre Rosenberg (né en 1936), académicien, dans un discours prononcé au palais de l'Institut à l'occasion de l'exposition Georges de La Tour au Grand Palais en 1997.

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Chronologie

• 1630 Le Tricheur à l'as de carreau, peinture de G. de La Tour.
• vers 1635 La Diseuse de bonne aventure, peinture de G. de La Tour.
• vers 1640-1645 La Madeleine à la veilleuse, peinture de G. de La Tour.

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Du peintre religieux au peintre de genre : Georges de la Tour

Le Tricheur à l'as de carreau

La Diseuse de bonne aventure

Auteur : LA TOUR Georges de

Lieu de conservation : musée du Louvre (Paris) site web

Date de création : 1636-1640

H. : 106 cm

L. : 145 cm

Huile sur toile

Domaine : Peintures

© RMN-Grand Palais (musée du Louvre) / Adrien Didierjean

Lien vers l'image

RF 1972 8 - 16-512471

Lieu de conservation : The Metropolitan Museum of Art (New York) site web

Date de création : Vers 1630

H. : 101,9 cm

L. : 123,5 cm

Huile sur toile.

Domaine Public © CC0 The Metropolitan Museum of Art

Date de publication : Novembre 2022

Auteur : Paul BERNARD-NOURAUD

Contexte historique

D’un peintre religieux à un peintre de genre.

La première partie de la carrière de Georges de la Tour se déroule auprès du duc de Lorraine Henri II, prétendant malheureux au trône de France l’année même de la naissance du peintre, en 1593. C’est à la cour du château de Lunéville qu’il se fait apprécier du souverain local par de nombreuses compositions religieuses qui s’accordent aux principes de la Contre-Réforme qu’Henri II, proche des Guise, entend promouvoir, y compris par le moyen des arts, lui qui fit don à l’église primatiale de Nancy d’une Annonciation du Caravage aujourd’hui conservée au musée des beaux-arts de la ville .

Dans un premier temps, l’invasion française de la Lorraine en 1632 ne semble pas avoir affecté la prospérité du peintre, qui continue de recevoir des commandes du successeur d’Henri II, Charles IV. Mais les revers militaires de ce dernier font de son duché la proie des différents belligérants impliqués dans la Guerre de Trente Ans et qui ravagent la région. La situation politique et l’honneur que lui fait Louis XIII en le nommant peintre ordinaire du roi incitent Georges de la Tour à s’établir à Paris (où il est logé au palais du Louvre) de 1639 à 1641, date à laquelle il retourne à Lunéville où il décède en 1652.

Sans doute pour satisfaire la demande, Georges de la Tour n’hésitait pas à emprunter ses thèmes à ses illustres prédécesseurs, non plus qu’à produire des répliques de ses propres inventions. Le Tricheur à l’as de carreau s’inspire ainsi des Tricheurs du Caravage (vers 1595), et reproduit quasiment à l’identique son propre Tricheur à l’as de trèfle du début des années 1630 (les deux œuvres sont conservées au musée d’art Kimbell, au Texas). Quant à sa Diseuse de bonne aventure , elle reproduit une situation que Le Caravage a lui-même peinte à deux reprises au milieu des années 1590 pour des prélats romains (le musée du Louvre et la pinacothèque capitoline conservent les deux tableaux). Par-delà les motifs qu’elles lui fournissent, les cadrages resserrés des œuvres du Caravage servirent aussi de modèles à Georges de la Tour.

Analyse des images

Rendre le clair-obscur lisible.

Distinctes par leurs sujets respectifs, La Diseuse de bonne aventure et Le Tricheur à l’as de carreau n’en présentent pas moins de nombreuses similitudes structurelles. L’éclairage diurne est sans doute leur point commun le plus saisissant de prime abord. Sous le pinceau de Georges de la Tour, la puissance dramatique du clair-obscur caravagesque y apparaît en effet tempérée par la clarté des coloris et des figures. Le peintre lorrain facilite ainsi la lisibilité des scènes qu’il met en page, quand, à l’inverse, il arrive au Caravage de l’obscurcir en étendant les ombres nocturnes depuis les recoins jusqu’aux figures (extension dont l’ Annonciation de Nancy est à cet égard représentative).

Le rouge garance qui colore à des degrés divers les habits des trois figures au premier plan de La Diseuse de bonne aventure remplit ainsi une fonction quasi-rythmique. Sa répétition contribue à distinguer les gestes coupables des gestes innocents qui s’enchaînent à l’entour du gros nœud qui ceint la figure centrale. De part et d’autre de cette « proie » masculine s’affairent ainsi quatre figures féminines, qui entreprennent de le délester de sa bourse et de son médaillon, tandis que la diseuse de bonne aventure plus âgée capte son attention en lui rendant le sou que le jeune homme lui a préalablement remis pour s’y faire prédire l’avenir.

Bien que le fond soit comparable à celui de la rue où est supposé avoir lieu l’escroquerie de La Diseuse de bonne aventure , les protagonistes du Tricheur à l’as de carreau sont cette fois assis autour d’une table. Un trio – formé du tricheur proprement dit, dont le regard fait du spectateur le complice autant que le témoin du stratagème établi avec la servante et l’autre femme – s’y entend sans mot dire pour dépouiller au jeu de cartes un jeune homme aisé au visage poupin et à la mise voyante. Georges de la Tour rend avec une virtuosité assumée chaque détail de son habillement, comme il le fait du reste pour chacune de ses figures. Là se situe aussi le réalisme qu’on lui a prêté a posteriori .

Interprétation

Une peinture en forme d’apologue.

Malgré l’estime dont il jouit de son vivant, le nom du peintre tombe après sa mort dans l’oubli, où il demeure près de trois siècles durant. La redécouverte de Georges de la Tour au début du siècle dernier assoit sa réputation de peintre de genre que celle de peintre religieux. La présentation en 1934 d’une douzaine de ses œuvres dans le cadre de l’exposition intitulée « Les peintres de la réalité en France au XVII e siècle » renforce encore cette perception, et favorise la recherche sur l’œuvre du peintre.

Le spectateur du XVII e siècle était sans aucun doute mieux disposé culturellement qu’on peut l’être aujourd’hui pour déceler la signification morale dont le peintre investissait ses compositions. Sans doute aussi cette opération d’élucidation lui était-elle plus aisée dans la mesure où il considérait d’un même œil ces scènes de genre et les scènes religieuses que peignait parallèlement Georges de la Tour. Dans les deux cas, cette non-distinction entre les cadres interprétatifs l’autorisait à la fois à reconnaître certains thèmes directement issus du répertoire chrétien et à en faire une interprétation moralisée, suivant en cela le modèle consacré de l’apologue.

En termes iconographiques, la figure centrale du Tricheur à l’as de carreau arbore en effet les attributs dont Marie Madeleine se débarrasse lorsqu’elle se repent de ses péchés (comme dans la version qu’en donne le peintre dans le tableau du Metropolitan Museum). Autrement dit, son statut de courtisane est ici aisément identifiable, en sorte que l’on déduit de sa présence que la luxure, comme le jeu, l’appât du gain et le vin sont autant de tentations qui perdent les jeunes hommes de bonne famille, à l’instar du Fils prodigue ayant cédé aux séductions mondaines dont l’évangile selon Luc a fait une parabole qui s’applique également au jeune homme figurant au centre de La Diseuse de bonne aventure .

Cet autre apologue met non seulement en garde le spectateur contre le vol, mais il l’incite à se défier de l’art divinatoire, voire à se méfier de celles (puisque ce sont essentiellement des femmes) qui le pratiquent, et en l’occurrence des Bohémiennes en général qui évoluent aux marges de la bonne société d’alors. Chez Georges de la Tour, l’avertissement se double d’une leçon visuelle énoncée selon le principe de la mise en abîme : si le jeune fat avait prêté plus d’attention à l’habit de la voyante qu’à sa propre vêture, il aurait déduit par avance des motifs tissés sur le devant de son manteau qu’il était le petit lapin et elle le puissant rapace.

De manière peut-être plus inattendue pour le spectateur actuel, mais d’une façon que les fables de Jean de la Fontaine ne feront qu’entériner à la fin du XVII e siècle, ce détour par les figures animales se retrouve également dans Le Tricheur à l’as de carreau . Il ne ressort pas cette fois de quelque détail vestimentaire (bien que le fait que les aiguillettes du tricheur soient dénouées à l’emmanchure, au contraire de celles de sa victime, constitue à l’époque un indice évident de sa dépravation), mais il concerne les visages mêmes des quatre protagonistes. Pour un amateur rompu à l’art de la physiognomonie animale, alors en plein développement, sachant par conséquent inférer des traits physiques d’une personne sa personnalité morale d’après leur ressemblance avec ceux prêtés aux animaux, la victime de la tricherie est un pigeon qu’une poule et un goupil (un renard) s’apprêtent à plumer sous le regard complice d’une fouine (dont l’aigrette attaché à son turban n’est cependant pas autographe, mais a fait l’objet d’un ajout postérieur à l’achèvement du tableau).

Dans un cas comme dans l’autre, Georges de la Tour est représentatif d’une époque où le discours moral que véhicule la religion, loin de s’épuiser dans la peinture religieuse proprement dite, trouve dans l’iconographie séculière un moyen de se renouveler, et probablement de se diffuser plus largement dans la société. Que cette diffusion ouvre l’interprétation au lieu de la refermer ne contredit aucunement un projet qui entend, comme les Fables de La Fontaine, instruire en divertissant. Ce processus explique en revanche que la réception actuelle de pareilles représentations puisse faire l’économie de la dimension moralisante qui les anime, sans réduire pour autant la valeur artistique qui reste attachée aux peintures du maître lorrain.

Bibliographie

Alain JAUBERT, « Le dessous des cartes. Le Tricheur à l’as de carreau , vers 1635, Georges de la Tour », in Idem, Palettes , Paris, Gallimard, 1998.

Pascal QUIGNARD, Georges de la Tour , Paris, Galilée, 2005.

Jacques THUILLIER, Georges de la Tour , Paris, Flammarion, 1992.

Jacques THUILLIER, Pierre ROSENBERG (dir.), Georges de la Tour , Paris, Réunion des musées nationaux, 1972.

Pierre ROSENBERG, Marina MOJANA (dir.), Georges de la Tour. Catalogue complet des peintures , Paris, Bordas, 1992.

Guerre de Trente Ans : Guerre européenne qui ravagea notamment le Saint-Empire romain germanique (l’Allemagne) de 1618 à 1648. L’origine du conflit est religieuse : à l’expansion de la Réforme en Allemagne, s’opposent les princes et souverains catholiques.

Pour citer cet article

Paul BERNARD-NOURAUD, « Du peintre religieux au peintre de genre : Georges de la Tour », Histoire par l'image [en ligne], consulté le 27/04/2024. URL : histoire-image.org/etudes/peintre-religieux-peintre-genre-georges-tour

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Jean Charles Garnier d'Isle (1697–1755)

Maurice Quentin de La Tour French

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Garnier d’Isle (1697–1755) was an architect and a garden designer whose rise to influence coincided with the ascendency of Madame de Pompadour as Louis XV’s mistress, and he is associated with the remodeling of several of her properties, including Bellevue. In 1748 he became the comptroller of the Luxembourg and Tuileries palaces. He commissioned from La Tour a portrait that was exhibited at the 1751 Salon. Two other portraits of Garnier d’Isle by La Tour survive: one, the same size as this work, shows him in a gray moiré silk coat (Fogg Art Museum, Cambridge, Mass.), and the other is a smaller head-and-shoulders view in which he also wears gray (Musée Antoine Lécuyer, Saint-Quentin). Here the artist’s impeccable handling of costume details pales by comparison with the fleeting and perhaps self-satisfied smile of the sitter.

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Title: Jean Charles Garnier d'Isle (1697–1755)

Artist: Maurice Quentin de La Tour (French, Saint-Quentin 1704–1788 Saint-Quentin)

Date: ca. 1750

Medium: Pastel and gouache on blue paper, laid down on canvas

Dimensions: 25 3/8 x 21 1/4 in. (64.5 x 54 cm)

Classification: Pastels & Oil Sketches on Paper

Credit Line: Purchase, Walter and Leonore Annenberg and The Annenberg Foundation Gift, 2002

Accession Number: 2002.439

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European Paintings at The Met

Le Nouveau-né, de Georges De la Tour

Georges de La Tour (1593 - 1652) Le Nouveau Né, vers 1645 Huile sur toile 76,7 x 92,5 cm Musée des beaux-arts de Rennes

Le Nouveau-né de Georges de La Tour est l’une des œuvres les plus populaires de la peinture française du XVIIe siècle et certainement le tableau le plus célèbre conservé dans les musées de Bretagne. Cette notoriété, qui est le privilège d’un nombre restreint de chefs-d’œuvre, fait souvent oublier qu’il y a à peine un siècle, le Nouveau-né était exposé avec une attribution erronée aux frères Le Nain, que son véritable auteur n’était connu de personne et que son sujet, enfin, était mal compris. Il a fallu le travail de plusieurs générations d’historiens de l’art et le croisement de recherches successives pour éclaircir une partie des interrogations suscitées par ce tableau. Cette enquête, qui s’inscrit au commencement de la redécouverte de La Tour, n’a pas encore élucidé toutes les questions.

La provenance ancienne du tableau est inconnue. Il apparaît à Rennes au moment de sa saisie à la Révolution au bénéfice du musée. L’identité de l’auteur du tableau n’est retrouvée qu’en 1915 par l’historien de l’art allemand Hermann Voss. Plus tard, la comparaison avec d’autres œuvres de La Tour permet de montrer qu’il ne s’agit pas ici d’une simple scène de maternité, mais bien d’un sujet religieux mettant en scène la Vierge, sa mère sainte Anne et l’Enfant Jésus.

Dans sa conception, cette œuvre reprend les principes esthétiques mis en place par Caravage à Rome : des modèles populaires, un éclairage nocturne, un fond neutre. La simplicité de la représentation contribue pleinement à en accentuer l’aspect méditatif et silencieux. Le peintre met ici l’accent sur un élément universel : le miracle de la naissance d’un enfant.

Retrouvez ci-dessous la présentation de l’œuvre par Charlotte Ciret, médiatrice au musée, pour la rubrique Décrypt’art de France 3 Bretagne :

Musée des beaux-arts de Rennes

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"Il faut voyager pour frotter et lisser sa cervelle contre celle d'aultruy" Montaigne, Essais Livre I, 1595

René Char – Georges de La Tour

René Char a découvert en 1934 le peintre Georges de La Tour (1593-1652) lors d’une exposition à l’Orangerie ( Les peintres de la réalité en France au XVII ème siècle ). Ce peintre, méconnu alors, surgit dans son imaginaire. Un tableau, intitulé Le Prisonnier (ou Job raillé par sa femme . 1650? Musée départemental d’art ancien et contemporain d’Épinal), le marque particulièrement. Il en achète plusieurs reproductions. Il va l’accompagner pendant de nombreuses années.

Pendant la seconde guerre mondiale, le résistant Char avait fixé au mur de son P.C. à Céreste (Alpes-de-Haute-Provence) la reproduction de ce tableau.

Il consacre plusieurs écrits au peintre.

Dans les Feuillets d’Hypnos 178 , il dialogue avec le tableau en l’impliquant dans le contexte de Seconde Guerre mondiale. Il y évoque les «ténèbres hitlériennes».

La reproduction en couleur du Prisonnier de Georges de La Tour que j’ai piquée sur le mur de chaux de la pièce où je travaille, semble, avec le temps, réfléchir son sens dans notre condition. Elle serre le cœur mais combien désaltère! Depuis deux ans, pas un réfractaire qui n’ait, passant la porte, brûlé ses yeux aux preuves de cette chandelle. La femme explique, l’emmuré écoute. Les mots qui tombent de cette terrestre silhouette d’ange rouge sont des mots essentiels, des mots qui portent immédiatement secours. Au fond du cachot, les minutes de suif de la clarté tirent et diluent les traits de l’homme assis. Sa maigreur d’ortie sèche, je ne vois pas un souvenir pour la faire frissonner. L’écuelle est une ruine. Mais la robe gonflée emplit soudain tout le cachot. Le Verbe de la femme donne naissance à l’inespéré mieux que n’importe quelle aurore. Reconnaissance à Georges de La Tour qui maîtrisa les ténèbres hitlériennes avec un dialogue d’êtres humains.

Feuillets d’Hypnos (1946), in Fureur et Mystère Poésie/Gallimard, 1967, p. 133.

Un autre texte de René Char, extrait aussi de Fureur et mystère , rend hommage à la Madeleine à la veilleuse.

MADELEINE A LA VEILLEUSE

par Georges de La Tour

Je voudrais aujourd’hui que l’herbe fût blanche pour fouler l’évidence de vous voir souffrir; je ne regarderais pas sous votre main si jeune, la forme dure, sans crépi de la mort. Un jour discrétionnaire, d’autres pourtant moins avides que moi, retireront votre chemise de toile, occuperont votre alcôve. Mais ils oublieront en partant de noyer la veilleuse et un peu d’huile se répandra par le poignard de la flamme sur l’impossible solution.

La Fontaine narrative , 1947, in Fureur et Mystère . Poésie/Gallimard, 1967, p. 215.

Dans Le Nu perdu , Char écrit un texte intitulé Justesse de Georges de La Tour . Il y fait allusion à des tableaux du peintre tels que Le tricheur ou Le vielleur.

Justesse de Georges de La Tour

26 janvier 1966

L’unique condition pour ne pas battre en interminable retraite était d’entrer dans le cercle de la bougie, de s’y tenir, en ne cédant pas à la tentation de remplacer les ténèbres par le jour et leur éclair nourri par un terme inconstant. ٭

Il ouvre les yeux. C’est le jour, dit-on. Georges de La Tour sait que la brouette des maudits est partout en chemin avec son rusé contenu. Le véhicule s’est renversé. Le peintre en établit l’inventaire. Rien de ce qui infiniment appartient à la nuit et au suif brillant qui en exalte le lignage ne s’y trouve mélangé. Le tricheur, entre l’astuce et la candeur, la main au dos, tire un as de carreau de sa ceinture; des mendiants musiciens luttent, l’enjeu ne vaut guère plus que le couteau qui va frapper; la bonne aventure n’est pas le premier larcin d’une jeune bohémienne détournée; le joueur de vielle, syphilitique, aveugle, le cou flaqué d’écrouelles, chante un purgatoire inaudible. C’est le jour, l’exemplaire fontainier de nos maux. Georges de La Tour ne s’y est pas trompé.

Dan s la pluie giboyeuse , in Le nu perdu 1964-1970 Poésie/Gallimard, 1978, p. 70.

Extrait d’un entretien de René Char avec Raymond Jean (Le Monde, 11 janvier 1969):

• Pourquoi dans le texte central de Dans la pluie giboyeuse, avez-vous placé, côte à côte le peintre Georges de La Tour et le poème sur Albion?
• Pour être celui, non qui édifie, mais qui inspire, il faut se placer dans une vérité que le temps ne cesse de fortifier et de confirmer. Georges de La Tour est cet homme-là. Baudelaire et lui ont des faiblesses mais pas des manques. Voilà qui les rend admirables. Georges de La Tour – ne souriez pas – est souvent mon Intercesseur auprès du mystère poétique, donc du mystère humain. Il n’y a pas d’auréole d’élu derrière la tête de ses sujets ni sur la sienne. Le peintre sait. Le peintre et l’homme. Je dis : sait, et non savait. Baudelaire également sait. Dieu et Satan sont chez lui tel le jour et la nuit chez de La Tour. Immense et juste allégorie ! C’est mortel, périssable, oui, mais c’est Imputrescible ! Capture de poète… Albion ? Permettez-moi d’affirmer que ce site, ce territoire superbe, étripé, empoisonné bientôt, couvert de crachats, démentiellement, pour des motifs sordides et sinistres, entre dans le contexte du Mal universel ; et si paradoxal que cela paraisse, il y a un exorcisme à lui opposer, point éloigné de celui que Georges de La Tour manie révolutionnairement, lorsqu’il peint Le Tricheur, ensuite Madeleine à la veilleuse, ou inversement.
• Qu’entendez-vous par le dernier poème du livre et son titre Ni éternel, ni temporel?
• J’aimerais disposer encore un peu de terre arable sur le rocher stimulant et obscur, avant de mourir. Ici mes intercesseurs sont des plus modestes : le corbeau et l’alouette. “

(Le plateau d’Albion a accueilli, de 1971 à 1996, les missiles qui constituaient une composante essentielle de la force de dissuasion nucléaire française. Les dix-huit silos à missiles et les deux postes de conduite de tir ont depuis été démantelés. Il y eut une vague de protestations lorsque l’installation des silos avait été soulevée en 1965-1966. L’Association pour la sauvegarde de la Haute-Provence avait organisé alors plusieurs manifestations, dont une à Fontaine-de-Vaucluse avec René Char, qui était l’auteur d’une affiche-poème emblématique, La Provence point Oméga .)

6 étapes sur la route des peintres entre Nice et Saint-Tropez

Inspiration

Côte d’Azur Culture et patrimoine

Temps de lecture: 0 min Publié le 29 février 2024, mise à jour le 15 avril 2024

Depuis des siècles, la Côte d’Azur fascine des générations de peintres attirés comme des papillons par sa fameuse lumière. Et chaque recoin de l'illustre rivage se souvient des grands maîtres de la couleur qui vinrent s’y installer avec leur chevalet. A chaque ville de la région, son peintre.

Matisse à Nice

L’hôtel Beau Rivage a perdu depuis longtemps le jardin tropical qui le séparait de la plage et les lords ont déserté la Promenade des Anglais, inscrite au Patrimoine mondial de l'Unesco depuis 2021. Mais la belle façade ocre de la maison où vécut Matisse jusqu’à sa mort en 1954, est toujours celle qui capte les derniers rayons de soleil du Cours Saleya.

Le peintre arriva dans la capitale de la Riviera en décembre 1917. Il pleuvait et il plut sans interruption pendant des jours. Jusqu’à ce que l’artiste décide rageusement de quitter la ville. C’est à ce moment précis qu’un souffle de vent chassa les nuages en découvrant une mer diamant tachetée de bleu cobalt. Matisse ne quittera plus jamais la Côte d’Azur. " Pourquoi Nice ? Pour cette limpidité nécessaire" , expliquait-il à Aragon. C’était pendant les années folles, quand princesses russes en exil, reines anglaises, écrivains décadents et belles actrices venaient festoyer à Nissa la Bella dans un tourbillon de plumes et de diamants.

Découvrir le musée Matisse à Nice

Renoir à Cagnes-sur-Mer

C'est en 1907 que Renoir s'installe à Cagnes-sur-Mer dans une magnifique propriété d'où l'on découvre un stupéfiant panorama jusqu'au Cap d'Antibes. Et lui aussi craque immédiatement pour cette lumière crue et l’incroyable palette de couleurs des oliviers, des mimosas et des orangers qui s’embrasent au coucher du soleil jusqu’à la mer Méditerranée.

C’est là que, jusqu’à sa mort en décembre 1919, l’artiste impressionniste peindra avec frénésie, faisant éclater sa joie de vivre et sa sensibilité à travers ses toiles et ses sculptures. Des œuvres qui fascinent toujours. La preuve ? Le réalisateur et scénariste Gilles Bourdos consacra en 2013 un film à la période cagnoise de Renoir, dans lequel Michel Bouquet incarne magnifiquement le peintre. La belle demeure de Renoir et son mobilier d’époque, sont désormais transformés en musée où l’on peut voir ses tableaux, ses sculptures, son grand atelier de verre et tous ses objets familiers.

Découvrir le musée Renoir à Cagnes-sur-Mer, près de Nice

Picasso, Bonnard, Matisse, Chagall ou Renoir… Autant d’artistes que la Côte d’Azur a inspirés. Tous ont succombé à la beauté de ses paysages, à la douceur de son climat et à la lumière baignant ses côtes et son arrière-pays, ses stations balnéaires et ses villages perchés. Pas étonnant donc que la Côte d’Azur abrite tant de musées et lieux culturels invitant à la rencontre avec des œuvres où l’art tutoie toujours le bleu du ciel et de la Méditerranée.

Picasso à Antibes

C’est en voisin, depuis la villa qu’il louait à Golfe-Juan avec sa jeune compagne Françoise Gilot, que Picasso pénètre pour la première fois en septembre 1946 au Château Grimaldi d’Antibes. Il découvre alors cette étrange bâtisse surmontée d’une tour dont la terrasse domine les remparts couleur pain d’épices et la mer éblouissante.

Voyant que ce lieu enchante le génie du XXe siècle, le conservateur du musée lui propose d’installer un atelier dans une salle au sommet de la tour. Enthousiaste, Picasso se met aussitôt au travail en commençant par dessiner sur les murs blancs trois têtes de faunes qu’il intitule Les Clés d’Antibes . En seulement deux mois, le maître andalou réalisera ici plus de 23 toiles et 44 dessins parmi lesquels son chef-d’œuvre La joie de vivre , gigantesque bacchanale au bord de la mer, ou encore Le Nu assis sur fond vert et La Femme aux oursins . Officiellement promu au rang de "Musée Picasso", le Château Grimaldi conserve aujourd’hui 275 œuvres de l’artiste, dont de très nombreuses céramiques.

Découvrir le musée Picasso à Antibes, entre Nice et Cannes

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Bonnard à Cannes

En installant chaque matin son chevalet à l’ombre des palmiers de la Croisette, le peintre Pierre Bonnard ne se doutait sans doute pas que cette promenade de sable longeant la mer deviendrait un jour le boulevard le plus médiatisé au monde pendant le Festival de Cannes.

Certes Cannes était déjà une petite station hivernale plutôt célèbre quand il s’y installa en 1926. Mais plutôt que d’habiter en bord de mer, Bonnard jeta son dévolu sur une maison modeste du quartier paisible du Cannet, à proximité des berges bucoliques du Canal de la Siagne, lieu favori de ses promenades, où il vécut en toute discrétion jusqu’à sa mort en 1948.

Durant cette période, il peint près de 300 tableaux dont L’Amandier en fleurs , Vue du Cannet et Nu dans la baignoire , des œuvres mondialement connues aujourd’hui. En visitant le musée qui lui est consacré, on découvre l’intimité du peintre et un éclairage particulier sur l’amour qu'il portait à ses animaux de compagnie, si souvent représentés dans ses tableaux.

Découvrir le musée Bonnard au Cannet, près de Cannes

Fragonard à Grasse

Au Moyen Âge déjà, Grasse, située sur les hauteurs de Cannes était la coqueluche des parfumeurs pour les essences, pommades et poudres qu’elle seule savait accommoder. Quelques siècles plus tard, les commandes affluaient de toute l’Europe dans l’atelier du peintre Jean-Honoré Fragonard, l’enfant du pays né en 1732, dont les œuvres trônent encore dans les plus grands musées du monde dont Le Louvre à Paris.

Un opulent passé à découvrir nez en l’air, en humant les senteurs de fleurs d’oranger et de fraises des bois qui tournoient toujours entre placettes médiévales, murs ventrus et voûtes sombres. Car Grasse n’a pas seulement inventé les parfums les plus célèbres de la planète (Chanel N°5, Eau Sauvage, Poison…). La ville s’impose désormais dans la bataille des arômes alimentaires et emploie plus de 250 "nez". Un nez ? C’est cet artiste capable de composer un parfum en mariant une multitude d’essences rares. Un peu comme un peintre avec ses tubes de couleur pour créer un chef-d’œuvre.

Découvrir le musée Fragonard à Grasse

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Signac à Saint-Tropez

C’est à bord de son yacht L'Olympia que Paul Signac découvrit Saint-Tropez en 1892 avant d’y acheter une maison puis d’y installer un atelier. Ce petit port de pêche, avec ses ruelles étroites, ses grand-mères en tablier et son marché parfumé, se transforme en repaire de la jet-set durant l’été. A l'écart de l’agitation, le musée de l’Annonciade rappelle que Saint-Tropez a été l’un des foyers les plus actifs de l'avant-garde picturale au début du XXe siècle. On savoure dans la fraîcheur de cette belle chapelle, les toiles de Signac, Picabia ou Monet retraçant, dans un feu d’artifice de couleurs, Saint-Tropez au début du XXe siècle, quand les belles tartanes, ces bateaux méditerranéens à voile, glissaient le long de la presqu’île.

Découvrir le musée de l'Annonciade à Saint-Tropez

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Par Redaction France.fr

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Visite de la rétrospective Chu Teh-Chun à Venise, peintre des paysages abstraits - Épisode 3/3

Dans une série de trois épisodes, marie sorbier nous entraîne à venise en italie à l'occasion de la 60ᵉ édition de la biennale d'art. dans cette dernière émission, visite de l'exposition "in nebula" consacrée au peintre franco-chinois chu teh-chun à la fondation giorgio cini..

Après nous avoir fait découvrir  le bateau-musée Art Explora qui va sillonner la Méditerranée pendant trois , Marie Sorbier continue son Grand Tour dans la cité des Doges à l'occasion de la 60e édition de la Biennale d'Art de Venise, grand rendez-vous mondial de l'art contemporain . Chaque pays qui le souhaite peut ainsi montrer un artiste de son choix durant cet évènement qui est à la fois une exposition d'art, mais également une présence diplomatique. On compte cette année 88 pays, chacun présenté dans un pavillon, qui sont autant d'expositions à visiter. À cela s'ajoute de nombreux événements et projets complémentaires. L'occasion ainsi de découvrir  la grande rétrospective du peintre franco-chinois Chu Teh-Chun (1920-2014)  que lui consacre la Fondation Giorgio Cini.

Né en Chine en 1920, Chu Teh-Chun suit une formation à l'académie des beaux-arts d'Hangzhou où il reçoit l'enseignement de professeurs formés en France qui vont l'ouvrir à la peinture occidentale. Il devient ensuite enseignant à Taïwan avant de rejoindre la France en 1955. Ayant pour projet à l'origine de ne rester que quelques mois à Paris pour partir ensuite pour New-York, il finit par s'installer durablement dans la capitale, apprend le français et découvre les grands chefs-d'œuvre de la peinture française et européenne. Une rétrospective consacrée à Cézanne au Grand-Palais finira par le faire définitivement basculer dans l'abstraction.

Cette exposition intitulée "In Nebula" est l'une des plus grandes expositions réalisées sur Chu Teh-Chun depuis plusieurs années. Prenant le contrepied des rétrospectives classiques en proposant de débuter par ses toiles les plus récentes pour aller jusqu'à ses petits formats réalisés à ses débuts, cette exposition très complète offre une véritable plongée dans l'œuvre de ce grand peintre et notamment ses célèbres paysages abstraits comme l'explique Matthieu Poirier le commissaire :  "Le paysage chez Chu CTeh-Chun est privé de ses acteurs qui normalement évoluent au centre, comme le décor par rapport aux acteurs. Le paysage a pris son autonomie, c'est-à-dire que le paysage est devenu un paysage événement, il est lui-même au cœur de l'action. (...) Et surtout, la disparition de la figure laisse place à une autre figure mobile, vivante, variable, inconstante au possible, celle du spectateur. Nous sommes partis prenants de la composition qui nous aspire, nous absorbe. Se placer à proximité d'elle nous fait plonger dans un vortex, dans un maelstrom, et nous fait nous projeter mentalement dans un espace sans prise réelle, sans solidité."

Cette grande rétrospective est aussi l'occasion d'explorer profondément son œuvre qui est aujourd'hui quelque peu simplifiée ou résumée à sa côte importante sur le marché de l'art. Cette exposition permet donc de comprendre plus en détails son œuvre, d'en admirer la grande qualité et la grande profondeur. "C'est un des artistes les plus chers du monde. Mais quelque part, c'est dommage de s'arrêter à cela. L'important, c'est de comprendre aussi pourquoi ce travail plaît autant et pas juste en Asie, même si c'est évidemment un foyer important pour les collectionneurs. Comprendre finalement sa singularité et aussi cette capacité à se relier à plein de choses. Comprendre un peu comment il a façonné cette étrangeté totale et comment sa réception, d'une certaine manière, a pris un peu plus de temps qu'elle n'aurait dû",  rapelle ainsi Matthieu Poirier.

Musiques de l'épisode :

• Journey to suzhou de GUSU XING
• The record de JIPING ZHAO
• Nobody said my homeland bad et The spring came upon the field tirées de l'album "Musique traditionnelle chinoise"
• Alexandre Fougeron Réalisation
• Marceau Vassy Collaboration
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